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NÚMERO 11 M AY O | 2 0 2 2 A ÑO 2 REVISTA DIGITAL

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Cinthya Salas Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez CORREO:

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ESPECIAL #NIUNAMENOS | LA CIVIL + NUDO MIXTECO + TE NOMBRÉ EN EL SILENCIO

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arcelia ramírez

MA GIS TRAL por C A R L O S M O R A

LA ACTRIZ HABLA EN EXCLUSIVA SOBRE SU REGRESO A LA PANTALLA GRANDE CON LA CIVIL, DE LA DIRECTORA TEODORA MIHAI, DONDE MUESTRA SU MAESTRÍA EN ACTUACIÓN AL DAR VIDA A CIELO, UNA MADRE QUE BUSCA A SU HIJA SECUESTRADA POR UN CARTEL DE MÉXICO Y QUE HARÁ TODO LO POSIBLE POR BUSCAR JUSTICIA

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¿Cómo fue el proceso para dar vida a Cielo, en La Civil?

El trabajo de un actor comienza desde que lee un guion porque allí empieza el imaginario, a entender cuál es el universo que va a narrar la película, la historia, los personajes y sus relaciones. En el caso de La Civil, para mí fue muy fuerte porque me parece que es un guion muy poderoso, creo que la directora Teodora Mihai conoce muy bien su historia.

Era un proyecto que iba a ser un documental, primero desde el punto de vista de los jóvenes y después cuando empezó a hacer la investigación ella se dio cuenta que había que escuchar a las madres y que había que hacer la película a través de la mirada de ellas. Entrevistaron a muchas y encontraron a una extraordinaria, quien fue quien inspiró al personaje de Cielo, Miriam Rodríguez, una mujer extraordinaria que toma la justicia por su propia mano.

Con toda esta investigación y con todos estos años de tener el contenido de su película en la cabeza, Teodora conocía muy bien todos los elementos que la conformaban y trabajamos durante un mes y medio en condiciones muy difíciles porque hicimos la película en medio de la pandemia y nos vimos diario con cubrebocas y careta.

Teodora consideró muy importante que examináramos exhaustivamente cada escena, cada objetivo del personaje, cada obstáculo, las relaciones entre ellos, toda la complejidad. También creo que el hecho de que ella sea rumana-bélga-mexicana de corazón le da una distancia favorable para poder retratar un problema con toda su complejidad.

La Civil, tiene escenas fuertes, ¿cómo fue el rodaje?

En principio el rodaje también se hizo durante la pandemia y de hecho en un momento muy crítico. El estado de Durango apoyó este proyecto y fue el lugar donde filmamos, estaba en semáforo ultra rojo y nos permitieron filmar porque de alguna manera era más sencillo en términos de que no había tanta gente en la calle.

Pero sí se hizo en un momento complicado de tal manera que a mí me obligó a ser muy consciente del cuidado físico que tenía que hacer. Siempre los actores tenemos el cuerpo alerta cuando vamos a empezar un proyecto, hacemos

ejercicio, nos alimentamos bien, etc, pero yo extremé los cuidados y toda la intensidad de mi entrenamiento físico porque también sabía había este tipo de escenas y había que repetirlas muchas veces, debía estar ahí al cien sin que se me viera la fatiga; y también por el hecho de que no podía enfermarme, así que me vitaminé, desayunaba y cenaba todos los días lo mismo en mi habitación de hotel, solamente hacía la comida con el equipo para evitar los riesgos de contagio de Covid-19.

Estábamos muy concentrados todos, sabíamos qué nos exigía esta historia y sabíamos las condiciones en las que la estábamos haciendo, todos estábamos muy concentrados, al cien, incluida Teodora. Para estas escenas había que tener muy claro el objetivo de Cielo, creo que el personaje entra en un espiral de búsqueda y al mismo tiempo de violencia que después ella misma no puede detener porque una cosa la lleva a una cosa, a otra y a la otra.

Tu personaje, Cielo, es una mujer con una gran fuerza.

La película trata de una mujer que descubre su propia fuerza, que desmantela su misión y abnegación de mujer mexicana con el macho que la acaba de abandonar pero que ella sigue totalmente a sus órdenes. Creo que todo este proceso a ella la confronta con ella misma y es algo que le va dando cada vez más valor porque está dispuesta a tomar todos los riesgos, lo que es paradójico, una cosa muy emocionante de la película.

Cuando leí el guion me parecía súper emocionante porque sentía que estaba entendiendo qué estaba pasando con esa mujer, independientemente de la trágica circunstancia que estaba viviendo. El ir conquistándose a sí misma era una cosa muy emocionante, pero al mismo tiempo la reflexión del viacrucis que tienen que vivir las mujeres en este país porque no son protegidas por un sistema de justicia sólido; entonces, creo que este desamparo las lleva a ponerse en este riesgo tan tremendo. Algo absolutamente inadmisible, sobre todo tratándose de la cantidad de mujeres, hombres y familias que buscan a sus seres desaparecidos.

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¿Qué le dirías a todas esas mujeres, que como Cielo, siguen en la búsqueda de sus hijos?

Que estamos con ellas, que las entendemos, que las abrazamos, que deseamos que todas y cada una de las reflexiones sobre este tema colaboren para que haya un sistema de justicia que las defienda, las acompañe y les haga justicia.

Sobre la indiferencia que hay del gobierno ante situaciones como la violencia de género, las desapariciones y los feminicidios, ¿qué opinas?

Como se plantea en la película, son temas multifactoriales, hay toda una maraña en la que es muy difícil identificar quién está coludido. Todo se mezcla, se entorpece porque hay muchos intereses de por medio, factores que contribuyen a que los casos queden inconclusos, se olviden o se criminalice a las víctimas. Es preciso desenmarañar todos estos tramas para combatir la impunidad porque creo que todos estos fenómenos se 12 |

multiplican porque se puede, porque no hay consecuencias. ¿Cuál crees que es el papel del cine ante estos temas?

El cine es una herramienta muy poderosa para humanizarnos, sensibilizarnos e identificarnos con los personajes e historias que vemos en pantalla, para entender desde otro lado, desde la empatía, porque los problemas están encarnados en personajes y eso entra directo a la consciencia, al estómago y al corazón.

Gracias al cine estos problemas se entienden de otra manera, sobre todo en este caso, es una manera de visibilizar y de tener distintos puntos de vista sobre un mismo tema en el que de pronto alguien podría decir “¿por qué tantas películas sobre estas cosas tan complicadas de nuestro país cuando hay un montón de otras cosas luminosas y bellas?”, pues sí pero esto que es inadmisible está sucediendo y mientras siga sucediendo hay que seguir poniendo el dedo en esa profunda y abierta herida.

"SIN DUDA (CIELO) ES UNO DE LOS PERSONAJES MÁS DIFÍCILES, PODEROSOS Y ALECCIONADORES QUE HE HECHO EN MI VIDA. ME QUEDO CON SU VALENTÍA FORTALEZA Y AUDACIA" | 13

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"CUANDO LEÍ EL GUION ME PARECÍA SÚPER EMOCIONANTE PORQUE SENTÍA QUE ESTABA ENTENDIENDO QUÉ ESTABA PASANDO CON ESA MUJER (CIELO), INDEPENDIENTEMENTE DE LA TRÁGICA CIRCUNSTANCIA QUE ESTABA VIVIENDO"

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Noche de Fuego (2021), Sin Señas Particulares (2021) y La Civil son dirigidas por mujeres, proyectos con una visión distinta, las tres han sido multipremiadas, ¿cómo ves el panorama para las directoras?

Este es un proceso bastante largo. Empecé a hacer cine hace muchos años, en esto que se empezó a llamar el Nuevo Cine Mexicano que antes ya se había llamado así alguna vez, creo que en esta generación a la que tengo el privilegio de pertenecer era muy claro que había que hacer películas con buena factura, que se escucharan bien, que se vieran bien, que diversificaran sus temas, personajes, géneros o estéticas. Ahí irrumpieron generaciones de guionistas, fotógrafos, sonidistas e irrumpieron también las mujeres tales como Dana Rotberg, Maryse Sistach, María Novaro, Beatriz Novaro, obviamente Busi Cortés.

Mi primera película fue hecha por, en ese entonces, la novena directora en haber filmado en toda la historia del cine mexicano. Entonces creo que con toda está generación de mujeres se diversificaron las sensibilidades, los puntos de vista, las temáticas, personajes y todo esto ha evolucionado muy bien, independientemente de que siguen existiendo diferencias que tenemos que combatir y ajustar. De que las mujeres están ahí, están.

Acabo de hacer una serie en donde prácticamente todo el crew era femenino, entonces sí creo que ha habido una evolución, no sólo artística, sino social, etc. Hay un movimiento social que está dando cada vez más frutos. ¿Qué te dejó el personaje de Cielo, qué te quedas de ella?

Sin duda es uno de los personajes más difíciles, poderosos y aleccionadores que he hecho en mi vida. Me quedo con su valentía, su fortaleza y su audacia. Justo la película compitió en la sección Certain Regard (una cierta mirada) del Festival de Cine de Cannes en 2021 en donde ganó el premio Prix de l’audace (a la audacia), que es un premio a la audacia de la directora, de los guionistas Teodora Mihai y Habacuc Antonio De Rosario, de la producción por hacer la película en la pandemia y también a la audacia de este personaje que está a fondo en la búsqueda de su hija desaparecida. Ha sido una interlocución con Cielo entrañable y profunda que me ha enriquecido muchísimo.

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La Civil UNA PELÍCULA VIBRANTE, CRUDA Y NECESARIA por A L E J A N D R A L O M E L Í

LAS DESAPARICIONES forzadas y el feminicidio se han tornado en temas recurrentes de nuestro cine ya desde hace algunos años, encontrando en la ficción o el documental, el espacio para cuestionar a un Estado indoloro, indiferente, que no proporciona seguridad a las mujeres. La Civil es la película más reciente que aborda el problema, inspirada en hechos y personas reales, la directora Teodora Mihai escribió el guion en conjunto con Habacuc Antonio De Rosario. Aunque se trata de una ficción, la película estremece por su asertivo retrato de un país sumergido en la violencia, al que el narcotráfico le ha quitado todo.

Estrenada en el Festival de Cannes de 2021 como parte de la sección “Una Cierta Mirada”, recogiendo ocho minutos de ovación tras su proyección, así como el Prix de l’Audace (Premio de la Audiencia), La Civil nos ubica en una ciudad del norte de México, sigue la historia Cielo (Arcelia Ramírez), una madre cuya hija adolescente es secuestrada. Al ver que las autoridades no le ofrecen apoyo para la búsqueda, Cielo toma el asunto en sus manos, iniciando la búsqueda de su hija y de los responsables del crimen.

Producida por Michel Franco, los hermanos Dardenne y Christian Mungiu, La Civil es una película que confronta al espectador con la historia de una madre convertida en militante justiciera, o vengadora justiciera, aquí parece no haber diferencia ni prejuicio porque, ¿qué no estaría dispuesta a hacer una madre para encontrar a su hija? Una de las tantas preguntas que nos deja este tour de forcé desarrollado tan brillantemente por Arcelia Ramírez, actriz que deja alma, cuerpo y corazón en su personaje. Ramírez consigue esa difícil mezcla de valor, tristeza y horror en cada una de sus acciones, demostrando por qué es una de las mejores actrices de su generación.

Dirigida con avidez y buen pulso narrativo, la directora aprovecha su experiencia en el documental para aportar un toque de sordidez, encontrando el balance entre el drama personal, el thriller policial y el filme de denuncia, con un diseño de arte y una fotografía que destaca los duros, desesperanzadores escenarios desérticos convertidos en fosas clandestinas.

La Civil es eso y más, sin duda, estamos ante una ópera prima vibrante, cruda y necesaria.

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DESPUÉS DE DEBUTAR EN EL FILME YA NO ESTOY AQUÍ, EL ACTOR ORIGINARIO DE NUEVO LEÓN SORPRENDE EN LA CIVIL, DE LA DIRECTORA TEODORA MIHAI, AHÍ DA VIDA A EL PUMA, DONDE HACE MANCUERNA CON LA PRIMERA ACTRIZ ARCELIA RAMÍREZ ¿Qué sientes de participar en La Civil?

Como persona, soy un chavo de barrio que vive el día a día y puede ver siempre esa parte; claro, no es el pan de cada día, pero es algo que siempre está latente porque nunca sabes cuándo te puede pasar una situación parecida a la película. Mi aprendizaje de esta película es que ¡Madres! soy alguien que vive alrededor de todo eso, pude haberme metido en cosas violentas, pero también puedo ver las consecuencias, el final te lo muestra. ¿Cómo fue la creación de tu personaje El Puma?

Mi personaje es alguien más joven que yo, un menor de edad haciendo trabajos ilícitos por falta de oportunidades en los barrios bajos, que si bien no es la única forma de salir adelante, es la más fácil y la que le ponen a la mano.

A El Puma, le ponen esta opción enfrente. Ahí supuse que mi personaje venía de un pueblo donde todos se conocen. Trabaja con gente mayor, y tiene la necesidad de mantener a su familia.

Esto pasa en la vida real, me han ofrecido trabajo de muchas cosas así como a El Puma, por eso de mis experiencias y de lo que ya sabía fue como pude ir nutriendo al personaje. ¿Qué sentiste de trabajar al lado de Arcelia Ramírez?

A Arcelia se le aprendió mucho, pero también de Yahir Alday y con todas las personas involucradas en el proyecto, fue una gran motivación para echarle más ganas al trabajo, pues había una presión interna, me decía: “Quiero hacerlo bien, pero ¿cómo?” porque yo no soy actor de profesión, fue mi primera vez explorando el mundo de creación actoral y dije “Si yo no soy un actor, ¿cómo puedo hacer que ese personaje no sea como el que hice en Ya no estoy aquí?”.

JUAN DANIEL GARCÍA TREVIÑO por C A R L O S M O R A

ESPECIAL #NIUNAMENOS | LA CIVIL + NUDO MIXTECO + TE NOMBRÉ EN EL SILENCIO

Los trabajos de mesa y compañeros me daban muchas ideas de cómo crear un personaje, no lo hacía como ellos pero decía “yo también tengo forma, supongo va a funcionar.

Mi hermano camina así, entonces esta parte de mi carnal podría quedar en esta parte de El Puma; aquel wey se ríe así y está chido, es auténtico”, lo auténtico de ciertas personas lo fui tomando para formar a El Puma y logré crear un personaje que ni siquiera soy yo, no es mi hermano, no es mi amigo, pero ya es algo diferente a lo que soy. Ese aprendizaje de crear, de improvisar con lo que conoces fue lo que más me dejó el haber trabajado con los grandes.

Has estado en tres grandes filmes desde Ya no estoy aquí, El norte sobre el vacío y ahora La Civil, ¿cómo te sientes?

Me siento igual, como siempre. Sí me cae el veinte, entiendo que estoy trabajando con grandes personas y que esto implica una preparación actoral y personal.

Lo que más me gusta de hacer cine es regresar a mi casa 20 |

con mi mamá, mis hermanos, para hablar, recordar cosas, eso es lo más bonito, volver y contarle a mi familia que hice algo chido, es más que estar en un ambiente artístico. ¿Crees que es necesario contar temas sobre la violencia en México?

Son temas súper importantes, nadie te va a tapar los ojos.

Esto ya va a salir en cines porque es un tema que se está viviendo, como la violencia que está pasando en Nuevo León, para que la gente lo vea, sienta y diga “¿qué tenemos que hacer para cambiar esto?”. Estas son sólo palabras, el decir cómo hacerlo para cambiar, no puedes tapar el sol con un dedo pero contar estas historias le da mucha más importancia a estos temas delicados, con esta película que es muy cruda. Es lo necesario, es la realidad, es lo que está pasando a la vuelta de tu casa, mucha gente se queda callada y esto es un levantar la voz. Estoy muy contento de que me den este tipo de trabajos, de contar estas historias y siento que sí es un tema muy necesario y urgente en México.

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ÁNGELES CRUZ LA DIRECTORA COMPARTE CON LA REVISTA CAMEO EL TRABAJO SOBRE SU PRIMER LARGOMETRAJE NUDO MIXTECO, "ME SIENTO CONTENTÍSIMA Y EMOCIONADA, ES COMO EL PRIMER BESO" por C A R L O S M O R A

SIN ATADURAS

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¿Cómo te sientes del estreno de Nudo Mixteco?

Estoy muy emocionada y muy nerviosa porque la prueba de fuego es llegar a la gente, pues la película está hecha para el público.

Justo ir para este público es algo que me causa muchas expectativas y nervios porque sé que es difícil tomarnos el tiempo de ir a una sala de cine porque se ha perdido el misticismo de ir al cine. Recuerdo la primera vez que fui a ver una película a una pantalla grande, fue una experiencia que me sobrecogió y me hizo salir con otra mirada. Estar inmersos en en vivir la vida rápidamente causa que pocas veces uno se deje tocar, vivir la experiencia de meterse a una sala de cine y meterte en otra circunstancia y atmósfera. Espero que la gente acuda a ver Nudo Mixteco en pantalla grande, que es donde mejor la van a apreciar.

En el filme expones temas sobre la violencia hacia las mujeres en comunidades indígenas.

Es una revisión en la que sabemos que tocar los temas incómodos, siempre es incómodo. Hago el símil de la comunidad con la familia, creo que es lo que tenemos más cerca para tener ese mismo referente, cuando soltamos un tema incómodo en la familia puede generar mucha rispidez pero finalmente sacarlo a flote, hablarlo lleva a una reflexión y por ello el cine se ha convertido en mi lenguaje favorito para reflexionar en conjunto porque estoy lanzando preguntas y la reflexión encuentra eco al llegar al público, antes no porque puedo tener un guion ahí escrito pero ¿quién lo ve?

Al tener una película totalmente aburrida, discursiva y aleccionadora en la que nadie gana; pero si haces una historia potente, con personajes complejos que te van jalando, eso puedo abrir una reflexión y tumbar el prejuicio que tenemos acerca del machismo, de la misoginia o la violencia sistemática y puede convertirse en una historia y en una película en la que podamos sentarnos a reflexionar o ver un reflejo de nosotros como seres humanos complejos. Ha sido un buen ejercicio plantear estos temas, trabajarlos en comunidad y aguantar la crítica, creo que el público más crítico es mi comunidad, reflexión en la que me gusta estar.

Es tu primer largometraje como directora, ¿cómo te sientes?

Me siento contentísima, emocionada, es como el primer beso, una cosa que te descoloca y sientes que se te va la vida ahí ¡mi vida entera! Esto ha sido para mí el cine, he encontrado ahí una semilla que me hace sentir florecer. Compartir esta semilla con mis compañeras actrices, mis compañeros actores, con toda la gente creativa para llegar al público y enseñar a tu bebé, a tu amor, me hace sentir muy satisfecha.

También eres guionista, ¿cómo nace ese interés?

Cre que todo ha sido a partir de la generosidad de quienes me rodean porque trato de rodearme de gente a la que admiro muchísimo. Cuando sentí que tenía un corsé de fuerza con los personajes que me llegaban quedaba un poco ‘chata’, por llamarlo de alguna manera, con personajes muy racializados, estereotipados cayendo en el clasismo y sentí que tenía que ir por otro lado, que construir personajes y tener otros referentes.

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"ME CAMBIÉ AL LADO DE LA ESCRITURA Y LA DIRECCIÓN JUSTO POR ESO, SENTÍA COMO UNA CAMISA DE FUERZA CON PERSONAJES TOTALMENTE ESTEREOTIPADOS, RACISTAS, CLASISTAS Y CON DISCURSOS IGUALES"

Así, escribí junto con María René Prudencio el primer guión de cortometraje que fue La Tiricia o Cómo Curar la Tristeza (2012) y después comencé yo sola, llamé a Felipe Gómez, que fue mi editor en los tres cortos -el del 2012, La Carta (2014) y Arcángel (2018)-, quien fue mi maestro de lenguaje cinematográfico pues le preguntaba hasta la cosa más absurda, hasta podrían decir “¿¡Ah, cómo no va a saber cómo se llama ese movimiento de cámara!?”, bueno preguntaba de las cosas más simples a las más complicadas.

Me rodeaba de esta gente, entre ellas Lucía Carreras, que

fue mi directora en Tamara y la Catarina (2016), con ella y con Lola Ovando levantamos nuestra casa productora Madre Cine para levantar el proyecto de Nudo Mixteco.

Me siento muy apoyada y comprometida con ello porque te genera un doble compromiso, estás hablando y rodeándote de las personas que realmente admiras y quieres en la fotografía, en la música, en las actuaciones, etc. Eso me ha llevado a repetir muchas veces gente en mi equipo, con lo que se va formando una familia con la que te sientes en comodidad para poder trabajar. | 25

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Cada vez hay más directoras, ¿Qué opinas?

Hay una generación de mujeres que tuvo que abrir la puerta a patadas, la misma María Novaro, Maryse Sistach o Dana Rotberg, antes que ellas estuvo Matilde Soto Landeta, es decir, ha habido el trabajo de mujeres que han abierto estas puertas a base de talento y de propuesta.

Ahora estamos en un lugar donde somos más visibles, pero todavía falta más trabajo, por ejemplo nuestro trabajo como mujeres indígenas, y seguimos trabajando en ese camino.

"ME SIENTO ORGULLOSA DE DONDE VENGO Y DE LO QUE SOY Y CON ELLO VOY A TRABAJAR, VOY A ENFRENTARME A ESTA CIUDAD TERRIBLEMENTE CLASISTA, RACISTA Y MISÓGINA, Y NO ME VAN A TUMBAR"

¿Qué opinas del racismo en los personajes?

Necesitamos cambiar los referentes. Me cambié al lado de la escritura y la dirección justo por eso, sentía como una camisa de fuerza con personajes totalmente estereotipados, racistas, clasistas, con discursos iguales; veía eso y me preguntaba ¿qué referentes estoy llevando a mi comunidad?, ¿cómo romper esta victimización de los personajes? ¿cómo decir que las mujeres somos fuertes dueñas de nuestro destino y cómo podemos cambiar ese retrato que nos han puesto? Pues le hemos abierto las puertas a la televisión, a estos cuentos de “pobrecita de mí, necesito un hombre que venga a salvarme la vida”, cuando no es cierto. Hombres y mujeres estamos en la misma posibilidad de ser dueños de nuestro destino, de cambiar y de asumir nuestras habilidades y toma de decisiones.

En ese sentido en Nudo Mixteco, los personajes se mueven muy claramente en ello porque al final hombres y mujeres tienen la fuerza para poder decidir sobre su propia vida. Una compañera decía que las mujeres, todas, toman su decisión y yo le decía “las mujeres y los hombres” porque Estebán, el personaje de Noé Hernandéz, también toma su decisión en el momento más complicado y más difícil, en el que pensamos que el rencor y el coraje lo van a dirigir, pero tiene un momento para pensar y dice “No. No podemos repetir lo mismo, la misma violencia, la tenemos que frenar” y yo creo que ahí, ese momentito de reflexión, hace que pongamos la narrativa en otro lado y podamos llevar este otro tipo de referentes a nuestros niños que son el futuro de este país.

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Nudo Mixteco inauguró la pasada Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.

Me siento muy honrada de que la película haya estado en la Cineteca Nacional, es algo que nunca soñé. Recuerdo, cuando me volaba las últimas clases de teatro para ir a la muestra, le pedía al maestro poder entregarle un trabajo sobre la película que fuera a ver; ahorraba, compraba mi abono y diario iba. De repente, ver que con nuestra película abrimos la muestra de la Cineteca era algo que no podía creer.

La primera película que vi fue El Joven Juárez (1954) en mi comunidad, proyectada en una pared y ahora ver mí película en la Cineteca, fue un grandísimo abrazo y un gran logro.

Después, la película ha estado en varios lados. Al igual que a nosotros nos conmueven películas de otros lados del mundo lo mismo ha pasado con Nudo Mixteco, hay una parte donde el público encuentra parte de su reflejo y eso me ha maravillado muchísimo.

Es una historia local, muy particular, en un lugar en mi comunidad, hablando de mi pueblo, de mi aldea y he logrado que la película conecte con otros públicos, se ha ganado premios del público en Europa, Estados Unidos y en México; hablar de seres humanos, de mujeres y de hombres tomando una decisión, para mí eso es el cine: contar historias y crear personajes complejos que te

van envolviendo. No me gusta hacer cosas que vayan a aleccionar a alguien, sino hacer una historia en la que te vayas metiendo, en la que te conmuevas con uno u otro personaje y que encuentres ahí algo que te refleje a ti mismo. ¿Qué le dirías a las niñas de tu comunidad en Oaxaca?

Siempre digo que las historias de éxito no es el “común” y eso es muy complicado de entender porque te puedes frustrar terriblemente. En las comunidades la tenemos muy difícil, desde migrar desde los 15 años para seguir estudiando o para tener un recurso económico y salir adelante, es complicado pero si el sueño está bien sembrado se puede.

Para mí es fundamental la raíz, que quiere decir dónde estoy sembrada: estoy sembrada en tierra fértil en donde mi cultura como mixteca, como mujer y como indigena la tengo bien sembrada. Me siento orgullosa de donde vengo y de lo que soy y con ello voy a trabajar, voy a enfrentarme a esta ciudad terriblemente clasista, racista y misógina y no me van a tumbar. Para mí eso es importante decírselo a las nuevas generaciones. Tenemos muchas cosas que cambiar en este país y eso sólo se logra a través de la educación y a través del empeño que pone uno en lo que quiere lograr. | 27

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Nudo Mixteco HISTORIAS CONECTADAS POR LA MIGRACIÓN, EL MACHISMO Y EL ABUSO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

¿QUÉ TIENEN en común una mujer quien fue rechazada por su familia a consecuencia de su preferencia sexual; un hombre el cual se fue de su terruño en busca de mejores oportunidades de trabajo; y una madre soltera que debe volver a su pueblo por su hija?

Todos ellos son habitantes de la misma comunidad, se conocen entre sí, y deciden regresar al poblado donde nacieron al mismo tiempo, justo durante una festividad importante. E incluso, llegan en el mismo autobús foráneo. Pero además, a estos personajes y sus historias los conectan otros factores, los cuales hacen que, aunque cada uno tenga motivaciones distintas para haberse ido de (y para retornar a) su pueblo, dichos motivos irradian de fenómenos y cuestiones similares.

Con experiencia previa en la dirección gracias a los cortometrajes La Tiricia o cómo Curar la Tristeza (2012), La Carta (2014) y Arcángel (2018), la actriz

Ángeles Cruz se aventura a dirigir su primer largometraje, en donde integra un tríptico interesante para abordar, a través de las distintas experiencias de sus tres protagonistas; una serie de problemáticas generales y actuales.

Así, el personaje de María (Sonia Couoh), llega allí a atender los ritos funerarios de su recién fallecida madre, Esteban (Noé Hernández), busca reencontrarse con la familia la cual abandonó años atrás, y Toña (Myriam Bravo) quien trabaja y radica en la ciudad, regresa apresuradamente al recibir una llamada de su madre, avisándole que su hija no se encuentra bien.

Este intempestivo retorno orillará a los personajes a enfrentarse de forma inevitable con el pasado que dejaron atrás, y con el presente vinculado a sus acciones y decisiones de irse del lugar. Y deberán tomar decisiones nada fáciles para lidiar con ello y poder aspirar a tener algún futuro.

Empleando una narrativa en la cual los relatos se entrecruzan y se complementan, y teniendo como escenario un modesto poblado oaxaqueño y los usos y costumbres del mismo; Nudo Mixteco entrelaza sus múltiples tramas y confecciona con ellas un plural y complejo lienzo a través de dos factores principales.

El primero de ellos alude al fenómeno migratorio, el cual sigue siendo la realidad cotidiana de miles de comunidades rurales a lo largo y ancho del territorio nacional, obligando a millones de sus habitantes a abandonarlas en busca de mejores oportunidades laborales, educativas o de condición de vida, ya que sus poblados de origen están agobiados por la pobreza, el desempleo, el crimen organizado, e incluso por la ignorancia y la intolerancia.

El segundo deriva directamente de la cruda realidad que, diariamente; sufren las mujeres no solo de nuestro país, sino del mundo entero, y tiene que ver con los di-

ferentes tipos de violencia y abuso a los cuales se ven sometidas, emanados del machismo en sus diferentes formas y manifestaciones. Y sus protagonistas -así como numerosos personajes secundarios del filme- son también víctimas, en menor o mayor grado, de dicha violencia y abusos. Y sus historias particulares forman en su conjunto, un nudo nada fácil de desamarrar.

Así, la ópera prima de Ángeles Cruz es también una aguda a la vez que sensible obra la cual busca mover a la discusión sobre estos y otros temas afines.

Nudo mixteco ha sido reconocida con múltiples reconocimientos en el circuito de festivales internacionales, entre los que destacan el Premio del Jurado de la Crítica del San Francisco International Film Festival y el premio a Mejor Cineasta Emergente en el Minneapolis St. Paul International Film Festival obtenidos en 2021; y el Premio a Mejor nuevo director, recientemente otorgado por el Cleveland International Film Festival.

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Te nombré en el silencio

BUSCAN SUS El director José María Espinosa presenta el documental sobre Las Rastreadoras de El Fuerte, "lo que hice fue amplificar su voz"

TESOROS por C A R L O S M O R A

¿Cómo nace Te Nombré en el Silencio?

Esto nació como un cortometraje sobre la normalización de la violencia en Culiacán, realizamos diferentes entrevistas con periodistas, activistas y víctimas, al ser de Sinaloa por lo menos sabes sobre estos grupos, algo que me interesaba muchísimo así que contacté a Mirna Medina (fundadora de Las Rastreadoras de El Fuerte).

Al entrevistarla me contó cómo Roberto (su hijo) había desaparecido, cómo se formó el grupo y toda esa pesadez alrededor de esta pérdida, fue un shock durísimo que me tumbó varios días. “Quemando cinta” como decimos en Sinaloa, en los días siguientes pensé que esto no debería de ser algo de tres minutos dentro de un cortometraje sino debería de ser un producto de largo aliento, dije ¡vamos a hacer un largometraje documental! Se lo propuse a Mirna y me dijo “vamos, adelante” y así nació Te Nombré en el Silencio.

Depués, tardamos cinco años, un poco más de lo que me gustaría pasar en un proyecto, pero fue debido a que este fue un proyecto independiente ¿independiente de quién? de los fondos gubernamentales, entonces eso nos dio una manera medio rara de elaborar el proyecto que fue: conseguir dinero, filmar, parar, conseguir dinero, filmar, parar, etc. Curiosamente eso me dio una pauta para pensar muy bien en cómo ir entretejiendo la narrativa de la película, entonces salió mejor.

Presentas a Mirna como una mujer chingona.

Exacto, ese es el adjetivo “chingonería”. Para mí, Mirna representa de alguna manera la personalidad sinaloense; una persona me decía “es que Mirna es lo que la gente del centro se imagina cuando piensa en un sinaloense: echado para adelante, mal hablado, muy pasional y sincero”.

Y sí, ella es derecha. Lo que me encanta también del documental, es en la parte inicial, cuando ella está en una junta y le dicen en la oficina “¡Ay, te están grabando!” y ella dice “Me vale madre que me están grabando”, eso es algo que pinta el cuerpo entero del personaje. ¿Tuviste alguna experiencia peligrosa al hacer la grabación?

Las cosas más fuertes siempre fueron los testimonios de cómo cada quien interpreta la pérdida y el dolor de cada rastreadora. Ese shock de estar viendo de nuevo a los ojos y estar recibiendo, como director, este tipo de emociones de 25 personas diferentes, algo que es desgarrador y fuertísimo.

Una vez fuimos a rastrear y nos tiraron de balazos, fue en un predio, en una casa abandonada donde supuestamente había un cuerpo, llegamos, las señoras comenzaron a rastrear, nosotros a filmar y de repente se empezaron a escuchar balas alrededor, no nos estaban tirando a dar, pero claramente nos estaban tratando de intimidar y las mujeres rastreadoras no se asustaron, siempre se mantuvo la calma y se hizo conciencia de lo que estaba pasando. Se rastreó un poquito más rápido, no encontramos nada y nos fuimos. También cuando cruzas ranchería a las afueras de Los Mochis, ya tienes a una cola de carros atrás persiguiéndote y sabes que te andan checando; pueden llegar cuando quieran porque uno está de alguna manera desprotegido, en México todos estamos desprotegidos. Esas son las cosas que nos pasaron.

ESPECIAL #NIUNAMENOS | LA CIVIL + NUDO MIXTECO + TE NOMBRÉ EN EL SILENCIO

¿Qué te dijo Mirna cuando vio el documental finalizado?

Me dijo algo que me puso muy emocional, me dijo “este es mi legado”, algo que me llena de alegría porque quiere decir que hicimos bien nuestra chamba, que realmente le pegamos a lo que es la vida de una rastreadora, lo que es esta lucha del día a día por encontrar a sus tesoros. ¿Qué te dejó hacer este proyeto?

Este documental me dejó muchísimas lecciones de vida. Al ver cómo las rastreadoras tienen una carga tan grande, como el Pípila, y al mismo tiempo mantienen la esperanza y el amor que se tienen entre ellas, la valentía, la resiliencia de seguir ahí todos los días es un gran aprendizaje para mí, para mi vida personal sobre cómo vivir mi vida. Sobre todo, esta experiencia me hizo ver al mundo con unos ojos diferentes y simplemente abordar las cosas con la mejor cara y tratar de siempre empujar hacia adelante, que es lo que hacen ellas todos los días. ¿Cuál crees que es el papel del cine en temas como las desapariciones forzadas?

Es un vehículo para la concientización, porque la mayoría en el país, muchísimos mexicanos no estamos realmente conscientes de lo que está pasando en ciertos puntos rojos de violencia en diferentes estados del país. Para mí eso es lo primordial, crear conciencia, sembrar la semilla dentro de la mente de la gente de lo que está pasando, crear reflexiones y a partir de esas reflexión, tal vez, se pueda ver un accionar de cada quien desde su trinchera. Sabemos que es complicado y que una película no va a cambiar la realidad del país, pero lo que esperamos nosotros es esa conciencia después de esa reflexión y si se puede un accionar para el mejoramiento de la situación. ¿Cómo ves el panorama del documental en México?

Fuerte, porque creo que históricamente siempre hemos sido mejores documentalistas que creadores de películas de ficción. Quizá eso se deba al músculo que tienen los cineastas mexicanos respecto a esto del documental, tenemos gente como Tatiana Huezo, Everardo González o Juancarlos Rulfo, es decir, grandes del documental y creo que ese talento es absorbido por las nuevas generaciones. ¿Qué opinas de las rastreadoras?

Sabemos que ellas está cubriendo un vacío desde hace muchísimo tiempo de autoridad en donde lo trágico es que ellas están operando cuando sabes que el Estado tiene todos los recursos para, por lo menos, acompañar la búsqueda o hacer la búsqueda y que ellas tengan tranquilidad, pero ellas lo hacen con sus propios recursos como el agua, la gasolina, la comida, todo lo que implica tener, atender un grupo, pues Mirna tiene que hacer siete mil cosas a la vez para conseguir dinero por aquí, por allá y ser psicóloga pues entre ellas se apoyan. ¿Cómo te sientes de darles voz a estás madres que buscan a sus hijos?

Como tal, no les dí voz porque Las Rastreadoras de El Fuerte tienen una voz muy fuerte a través de Mirna y que resuena en todo Sinaloa y en todo México. Creo que lo único que hice fue amplificar esa voz a través del documental, para que resuene más en todo el país y no solamente para el grupo de Las Rastreadoras en Sinaloa, sino a todos los grupos que existen ya a lo largo y lo ancho del país, porque creo que ya en cada estado debe de existir por lo menos un grupo de búsqueda de gente que busca a sus tesoros. | 33

HAY QUE

LLEVÁRSELOS"

Recopilamos algunas frases que dicen Las Rastreadoras de El Fuerte, en el documental Te Nombré en el Silencio

"ESTAMOS

ESPECIAL #NIUNAMENOS | LA CIVIL + NUDO MIXTECO + TE NOMBRÉ EN EL SILENCIO

HAY CUERPOS, "AQUÍ

CAMINANDO SOBRE MUERTOS"

"NO BUSCAMOS

CULPABLES,

BUSCAMOS NUESTROS

TESOROS"

"TODO LO QUE HICE

LO HICEÉL" POR AMOR A

ESPECIAL #NIUNAMENOS | LA CIVIL + NUDO MIXTECO + TE NOMBRÉ EN EL SILENCIO

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Te Nombré en el Silencio UNA NUEVA PERSPECTIVA A LAS SECUELAS DE LA VIOLENCIA EN EL PAÍS por A L E J A N D R A L O M E L Í

LA ESPERANZA y el dolor, la alegría y la tristeza, sentimientos opuestos que acompañan a Las Rastreadoras de El Fuerte en sus rastreos por encontrar a sus desaparecidos. Pero siempre hay más, porque la vida tiene formas extrañas de continuar, claroscuros, una fuerza imparable por descubrir la verdad y, sin embargo, también hay espacio para las risas. Con una complicidad palpable entre Mirna Nereida Medina, el director José María Espinosa de los Monteros muestra su realidad, y la de muchas madres, esposas, hijas y padres de las víctimas de desapariciones forzadas en todo su contraste en Te Nombré en el Silencio, su primer largometraje documental.

El documental muestra un problema que se ha convertido en asunto nacional, porque, como diría Mirna en una de las muchas frases honestas, estremecedoras, “estamos caminando sobre muertos”. No sólo se habla de la colaboración entre carteles y federales, también representa la oportunidad para escuchar testimonios desgarradores de viva voz, así como la tenacidad tras el activismo como respuesta ante el silencio de las autoridades, confir-

mando una vez que, en México, quienes buscan, son los familiares y no el Estado.

Te Nombré en el Silencio muestra imágenes registradas por José María Espinosa de 2016 a 2019, luego de conocer a Mirna, fundadora y líder del colectivo Las Rastreadoras de El Fuerte de Sinaloa, tras un trabajo comisionado por una ONG. El resultado es una pieza dolorosa, pero firme, sin concesiones cuando se retratar una realidad que no se puede negar.

Secuencias de algunos de los rastreos de sus “tesoros” (como ella llaman a sus hijos), testimoniales conmovedores y fragmentos de grabaciones caseras construye un largometraje que no depende de los tradicionales cuadros de entrevistas, por el contrario, su narrativa es orgánica, cumpliendo fielmente el cometido de documentar las emociones, los quiebres, los pesares, pero también los momentos de ligereza, de baile, de playa, de cotidianidad…

Te Nombre en el Silencio anuncia el debut de un director comprometido, y como documental, aporta una nueva perspectiva a las secuelas de la violencia en el país.

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PABLO CRUZ GUERRERO

"ME APASIONA CONTAR HISTORIAS"

Conversamos en exclusiva con el actor sobre su nueva película La Nave, la cual protagoniza, produce y además estrena su faceta como guionista, “quería contar historias sobre héroes de la vida real” por C A R L O S M O R A

Aparte de protagonizar La Nave, también eres productor y guionista, cuéntame sobre ello Exacto. Comencé a escribir la película en el 2012 entonces para mí que lleguemos al estreno en 2022 es muy simbólico porque se cumple un ciclo de 10 años en los que he estado compartiendo una experiencia de vida que para mí ha sido de mucho aprendizaje.

Siempre me he sentido muy protegido y querido por los actores de la cinta, por Batán Silva, director, y la productora Alejandra Cárdenas; cada uno aportó para que se formara el equipo de La Nave, y cada quien conectaba a diferente nivel y a diferente grado con la historia.

En el caso de Batán fue el primer asistente de dirección de James Cameron cuando hizo Titanic aquí en México, entonces estamos hablando de un cineasta que tiene muchos años en el set y que tiene una experiencia como pocas personas en México.

La historia de la cinta está basada en la vida real, ¿cierto?

En el 2012 recibí un mensaje por Facebook de Miguel Pérez y me dijo “¡Hola! Soy locutor de radio, estoy coordinando un programa cultural del INBA para promover la lectura en Oaxaca”, recuerdo que el programa se llamaba “Leo, luego existo”, así que me invitó a dar unas pláticas con algunos niños.

Después él me platicó su historia, y me dije: “¡Qué chingón que haya personas que dediquen su vida a ayudar a la demás a través de su oficio o profesión y que eso sea lo que les dé sentido”, son héroes de la vida real.

Y creo que vale la pena contar esta historia, a pesar de que es muy divertido ir al cine y tener un gran abanico de géneros, como ejemplo las películas de superhéroes con superpoderes, me parece que está bien, pero en lo personal me gustan más las historias de héroes reales, se me quedan y aprendo más. ¿Cómo fue trabajar con actores infantiles?

No fue difícil, cuando comencé a platicar sobre el papel con la gente, me encontré con Paloma Arredondo, quien estaba haciendo una serie para Televisa, justo se dedicaba a hacer talleres de actuación infantil.

Después, platiqué con el director, automáticamente me dijo “me encanta el trabajo de ella como coach infantil y es tan cercana su relación con los niños que ella como actriz tiene las herramientas histriónicas para hacer un gran papel, entonces ¿por qué no además de ser la coach infantil que sea la mamá del niño protagonista?”. Así, el personaje de la mamá de Gerardo, del niño, es también su coach.

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"PARA MÍ ES TODO EL PAQUETE, ME APASIONA CONTAR HISTORIAS, DESDE ESTAR INVOLUCRADO EN LA TOMA DE DECISIONES Y TANTOS VALORES DE PRODUCCIÓN COMO EN LA NAVE"

"CON LA NAVE QUERÍAMOS UNA PELÍCULA FAMILIAR, LIGERA Y DIVERTIDA A PESAR DE QUE TAMBIÉN TENÍA ESTA PARTE EMOCIONAL, PORQUE SI SÓLO LO DEJÁBAMOS EN LO LIGERO Y DIVERTIDO NADA SE HUBIERA QUEDADO AL ESPECTADOR"

Sobre el elenco, vemos caras muy conocidas.

Encontramos un punto de identidad sobre la manera en la que íbamos a contar la historia, lo mejor fue agregar a los actores como Maya Zapata, Rodrigo Murray, Lucía Uribe, Andrés Almeida, Santiago Beltrán, el niño, un actor espectacular; cada uno de ellos de verdad que ha tenido detalles con La Nave que los llevo conmigo siempre por haber entregado su tiempo y su corazón para contar esta historia.

Después de hacer el guion de La Nave, ¿quieres seguir escribiendo?

Claro, estoy terminando de escribir otro guion del que espero próximamente se abran las oportunidades para comenzar a producir. Para mí es todo el paquete, me apasio-

na contar historias, desde estar involucrado en la toma de decisiones de una historia tanto con detalles y tantos valores de producción tan grandes como en La Nave o cualquier otro proyecto, para mí es un gran privilegio porque se traduce en cómo comparto mis sentimientos, algo que me hizo sentir chingón y tuve una catarsis, ahora lo paso para ver si podemos sentir lo mismo.

Creo que contar historias finalmente se convierte en buscar eternamente empatía en el otro. Con La Nave queríamos una película familiar, ligera y divertida a pesar de que también tenía esta parte emocional, porque si sólo lo dejábamos en lo ligero y divertido nada se hubiera quedado en el espectador. Sabíamos lo que queríamos lograr y siempre trabajamos en esa dirección.

"EN LA SERIE DE LUIS MIGUEL, ME SENTÍ EN CASA” También te vimos en Luis Miguel: La serie.

Fue una gran oportunidad representar a dos personas tan radicalmente diferentes y mostrar un poco más de lo que puedo hacer como cuenta historias, me encanta poder tener un rango tan amplio de interpretación en mis personajes. ¿Qué significó para ti estar en esa serie?

Siempre he dicho que fue un proyecto en el que me sentí recibido, como si fuera una reunión familiar en la que ya me estaban esperando, como en casa. Diego Boneta es una persona a la que admiro muchísimo, desde antes del proyecto y ahora después lo admiro mucho más. Beto Hinojosa como director, una lista muy larga de gente que me dieron una oportunidad, como Luis Rosales, director del casting, mucha gente que me dio una oportunidad para poder salirme de mi zona de confort y poder presentar a un personaje con el que nos fuéramos a divertir todos.

Me dijeron lo que tenían en mente y ya lo tenían muy claro, desde antes de que entrara al proyecto, qué personaje iba a hacer y qué peso le teníamos que dar para que el personaje de Luis Miguel tuviera la relevancia necesaria, es decir, que su contraparte fuera tan pesada que por lo tanto el héroe de la historia brille.

Estuvimos trabajando entre todos propuestas para hacer de este personaje ficticio algo que la gente pudiera identificar muy fácilmente con un emblema del ecosistema, atmósfera o ambiente en el que vivía el personaje que nosotros entendemos como Luis Miguel. | 11

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La Nave UN DESPERTAR A LA VIDA por A L E J A N D R A L O M E L Í

EN LOS PRIMEROS MINUTOS de La Nave, Miguel cuestiona descreído, retador, “¿Qué tanto impacto puede tener lo que yo diga?”, luego de ser reprendido por el director de la radiodifusora tras un comentario realizado durante la transmisión de su programa, recibiendo como respuesta contundente de éste: “la gente reacciona cuando la provocas”. Este pequeño diálogo bien puede trasladarse al mensaje tras la película de Batán Silva y de su guionista, productor y protagonista Pablo Cruz-Guerrero, la cual narra una historia inspirada en personajes de la vida real para crear consciencia a través de una fábula moral sugerente sobre despertar a la vida.

Desde una perspectiva muy honesta y divertida, La Nave sigue a Miguel (Cruz-Guerrero), un pesimista locutor de un programa para niños a punto de ser cancelado. Cuando en una transmisión en vivo recibe la llamada de Gerardo (Santiago Beltrán), un niño con cáncer, mencionando que su último deseo antes de morir es conocer el mar y que espera realizarlo a través de “la nave” de Miguel, el conductor buscará hacerlo realidad.

Se agradece el tono elegido por Batán Silva, encontrando en esa aparente comedia ligera y personajes sarcásticos los elementos que elevan esta producción sobre otras películas que buscan crear consciencia social sobre temas tan dolorosos como el cáncer infantil a través de la lástima; aquí no hay personajes maniqueos, diálogos chantajistas o escenas descaradamente manipuladoras, por el contrario, las reacciones son creíbles, las acciones naturalmente emotivas, personajes humanamente imperfectos y, sin embargo, hay momentos dramáticos, duros, inexplicables.

Es cierto, la película no inventa el hilo negro, la premisa sobre el niño que está a las puertas de la muerte, pero nunca pierde la esperanza, inyectándole nuevos bríos al adulto sin motivación que antes de su encuentro estaba “muerto en vida”, la hemos visto ya muchas veces, pero la sensibilidad, respeto y cariño percibido en La Nave es digno de resaltar, porque nos recuerda que a veces, quienes nadan a contracorriente, avanzan más rápido que quienes parecen tener la marea a su favor e, incluso, en los momentos más oscuros hay espacios luminosos.

MICHEL BROWN

ENAMORADO DE SU TRABAJO 34 |

PLATICAMOS CON EL ACTOR ARGENTINO SOBRE SU PARTICIPACIÓN EN LA EXITOSA SERIE PÁLPITO, UNA PRODUCCIÓN COLOMBIANA QUE ESTÁ CONQUISTANDO AL MUNDO por C A R L O S M O R A

A los pocos días del estreno de Pálpito, ya se convirtió en la serie más vista en varios países, ¿qué opinas?

Muy contento y muy sorprendido de que a la serie le vaya bien, pero todos los días despertamos con la noticia de que la estamos rompiendo en diversos países con una serie latina, por ejemplo, Japón, India, Alemania o Francia. Se sigue disfrutando mucho este momento. ¿Cómo fue la construcción de la serie?

Estamos muy contentos. Creo que lo principal de la serie es el guion, me parece que una buena serie parte de una buena historia y Pálpito lo que tiene es justamente algo que no se queda en un sólo género, hay historia de amor, cuenta sobre las distintas formas de amar, sobre cómo algunas personas que tienen poder se pueden poner en una primera fila en el tráfico de órganos, habla del olvido, de la familia, de los corazones rotos que no saben cómo rearmar el rompecabezas de su vida. ¿Qué es lo que más te gustó de tu personaje Simón?

La sensibilidad que tiene el personaje, porque venía de hacer personajes muy fuertes y oscuros en series como Hernán (2019), Falco (2018) o Sr. Ávila (2018). Ya tenía ganas de conectar con un personaje como un padre de familia con un corazón destrozado. Me llevo un gran regalo de Pálpito porque conecté con el público a través de la emoción, hace muchos años como actor traté de dejar de querer impresionar al televidente, a mis compañeros o a los actores para tratar de emocionar y el personaje de Simón es muy emotivo y el escritor me lo puso en bandeja de plata. | 47

"VENÍA DE HACER PERSONAJES MUY FUERTES Y OSCUROS EN SERIES COMO HERNÁN, FALCO O SR. ÁVILA, YA TENÍA GANAS DE CONECTAR CON UN PERSONAJE COMO UN PADRE DE FAMILIA CON UN CORAZÓN DESTROZADO COMO EN PÁLPITO" Compartes escenas con tu esposa Margarita Muñoz, ¿cómo te sentiste?

La verdad fue un regalo del cielo el voltear en ese carro y ver que esa persona que estaba transitando por eso era mi esposa y meterme en la película por completo porque los actores construimos con base en lo que el otro actor nos da, acá tenía a mi esposa Margarita que fue un gran plus para la emoción del personaje. Nos tocó la grandeza de poder tenernos el uno al otro enfrente a la hora de interpretar a esta pareja y disfruté mucho tenerla ahí; creo es el resultado de esta historia creíble, de este gran amor que se destroza a pedazos.

La serie tiene un tema fuerte, el tráfico de órganos.

Hay algo muy interesante, si se ve desde un punto objetivo Pálpito habla del tráfico de órganos pero también habla de lo que pasa con la gente a la que le trasplantan un órgano, el cómo vive con un órgano ajeno en su cuerpo y qué modifica en tus sensaciones o tu vivir, en tus relaciones 48 |

con personas que creías no tenían nada que ver contigo, eso es lo interesante de la serie, que es lo que le pasa a Camila, el personaje de Ana Lucia Domínguez, y que la pone en un lugar muy difícil. Ella se entera que le dieron el órgano de una persona que hubiera podido seguir con vida. ¿Qué opinas sobre este tema?

El otro día me habló por Instagram una chica que había sido trasplantada, me interesaba tener una conversación con ella para saber qué es lo que siente una persona trasplantada. Me parece que justamente la primera sensación es la de querer conocer quién es la persona que da vida y en eso está implicada el personaje de Ana Lucía, que lo aborda de una manera impecable. El viaje y arco dramático de la historia y personajes es muy interesante. A mí me pasó, conozco la historia, la leí y estaba enganchado como televidente y creo que la productora hizo un trabajo excelente de directores y fotógrafos, porque lo que hicieron volvió a la serie sumamente vertiginosa, tanto que no he parado de verla.

"HAY QUE APROVECHAR QUE HOY HAY GRANDES PROYECTOS E HISTORIAS QUE CONTAR, ASÍ QUE ME TOCA REDUCIR MI VIDA A UNA MALETA, ES ALGO QUE DISFRUTO DESDE HACE 20 AÑOS, MI VIDA ES ASÍ Y OJALÁ ASÍ SIGA"

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¿Qué piensas de la inmediatez de ver las series?

Uno se la pasa cuatro meses rodando y las personas la ven mientras comen una pizza, de una sentada. Pero eso es lo que hay, así son las plataformas y estamos jugando ese juego, por eso decía lo de la edición porque estamos en un momento en el que siento que no hay chance, algo como “véanla que en el tercer capítulo se pone bueno”, hay que meter toda la carne al asador y por ello el trabajo del editor es esencial.

Cuando a la gente algo no le gusta, a mí me pasa a veces, no enganchó desde el capítulo uno entonces a cambiarla. Aunque a veces digo: “¡No! Aquí hay un grupo de gente trabajando”, pero es algo que está pasando, de ahí que los primeros capítulos de la serie sean tan importantes, más en este mundo de plataformas donde no puedes hacer una serie y darle al público de comer de a poquito porque en ese poquito, la gente ya tiene 200 series más para ver.

Con las series hay un panorama más universal.

Está increíble en varios sentidos, primero porque como actores podemos navegar en cualquier otro país, estuve en una serie de España que se llama Parot (2021), y te das cuenta de que hay una necesidad en los productores de que los elencos se vuelvan híbridos y tener actores que conecten con el público latino o los latinos con los españoles, se vuelve algo interesantísimo. Las temáticas de las series son universales porque no conectan únicamente con la idiosincrasia de un lugar por eso estamos en un gran momento tanto para fotógrafos, actores, editores y escritores en particular.

La clave de Pálpito es el escritor venezolano Leonardo Pardón, escribe series desde hace mucho tiempo, trabajó en México en Televisa y tiene el don de tener una pluma maravillosa que hace que el público conecte. Es un gran momento para los escritores donde les toca afilarse para salir a competir con estas series que tienen un contenido impecable. ¿Cómo le haces para dividirte cuando trabajas en diversos países?

Me voy a donde suceden las cosas. Soy un enamorado de mi trabajo y los grandes proyectos, hay que aprovechar que hoy hay grandes proyectos e historias que contar, historias que te confrontan, así que toca reducir tu vida a una maleta e ir detrás de las historias, que es algo que disfruto desde hace 20 años, mi vida es así, y ojalá se siga dando. Estuve en México y estoy presentando un programa en History Channel desde hace dos años que se llama Desafío Sobre el Fuego (2018), fui para allá, me regreso, me gusta esa parte, me divierte mi oficio. ¿Qué viene para ti?

Estrenamos la segunda temporada de Desafío Sobre el Fuego, creo que a mitad de año. Comenzaré a grabar la segunda temporada de la serie de Cecilia, tengo un proyecto mío que en cuanto se cierre lo estaré contando, tengo muchas ganas de hacerlo. Y muy emocionado con la confirmación de la segunda temporada de Pálpito, me encanta. | 51

HARI SAMA EL DIRECTOR DA LOS DETALLES DE SU NUEVO PROYECTO, EL PODCAST DE BATMAN DESENTERRADO, "SOY FANÁTICO DE ÉL DESDE LA ADOLESCENCIA", CONFIESA A LA REVISTA CAMEO por C A R L O S M O R A

"LOS PODCAST SON LA RADIONOVELA DEL FUTURO PERO CON MUCHA MÁS PRODUCCIÓN E HISTORIAS MÁS COMPLEJAS"

¿Cómo fue el proceso para hacer Batman Desenterrado?

El proceso fue similar a lo que hago para prepararme para cualquier proyecto de ficción. Finalmente es sentarte, profundizar en los personajes, pensar en dónde están sus heridas y por qué se comportan como se comportan, quiénes son o de dónde vienen, es decir, es hacer todo este trabajo de mes a que normalmente hacemos para antes de filmar en una serie o una película, es el eslabón de una serie de asuntos preparatorios; sólo que acá no llegamos a filmar sino al micrófono, pero nos preparamos con la misma profundidad.

Quizá aquí la diferencia no es el cómo se va a ver, sino el cómo se escucha, cómo habla la persona, cuál es la particularidad de voz del trabajo de, por ejemplo, Noé Hernández en El Cosechador. Entonces, es ir encontrando ese instrumento, afinarlo; pero ese asunto que es meramente formal debe estar sostenido por muchísimo trabajo de construcción de personaje, algo profundo. Algo que pienso que este podcast tiene muy bien logrado es que nos metimos a las catacumbas de la psiquis de todos estos seres.

¿Qué es lo que más disfrutaste de hacer este podcast?

Soy fanático de Batman desde casi la adolescencia, como decía en la presentación de la serie: le cumplieron el sueño a un adolescente, a una persona que nuca se imaginó que iba a dirigir Batman. Disfruté mucho estarme metiendo con esos personajes, que son complejos a diferencia de muchos de las otras sagas de superhéroes, es entender que Batman no es un superhéroe, es un justiciero, un vengador anónimo; entender que se trata de gente muy maltratada por la vida, seres que crecen en entornos muy violentos, que tuvieron niñeces muy jodidas y complejas por lo que el lindero que divide el bien del mal o en este caso al héroe del villano, casi no existe y que en el fondo se entienden entre ellos mucho mejor que con la sociedad civil.

Los personajes tienen una fascinación los unos con los otros porque justamente todos vienen de ese submundo que es Arkham, uno de los grandes pilares de esta saga, y que por algo lo es, pues todos los seres están al borde la locura. Si Batman viviera en un país donde hay procuración de justicia, todos estarían en la cárcel.

Esta adaptación en español se escucha familiar, sin perder ese característico toque de Batman ¿cómo lograste esto?

Eso me alegra mucho. Alguien me dijo “¿Oye, crees que podamos filmar Batman en español?” y yo decía “¡No sé, pero estaría poca madre!” Porque siempre he dicho, desde niño, que México es Ciudad Gótica, donde el poder fáctico es el crimen, la policía es demencialmente corrupta, etc. Tanto así, que si lo piensas, el personaje de Jim Gordon y toda esa banda existiría de una manera muy eficaz y muy verosímil en México, la neta.

También acá hay muchísimos villanos.

"SIEMPRE HE DICHO, DESDE NIÑO, QUE MÉXICO ES CIUDAD GÓTICA, DONDE EL PODER FÁCTICO ES EL CRIMEN, LA POLICÍA ES DEMENCIALMENTE CORRUPTA Y TAMBIÉN HAY MUCHOS VILLANOS" ¿Cuál es tu personaje favorito de Batman?

Tengo varios en general de la saga. De este podcast van a escuchar, bueno no puedo decir mucho porque no les quiero spoilear lo que viene, pero digamos que El Cosechador es una apuesta muy interesante y muy bien construida en este podcast, y viene por ahí otra villana que va a dar mucho de qué hablar sobretodo porque nos vamos profundísimo, ya lo verán. No puedo hablar demasiado, pero después de la primera capa del podcast, que parece ser la primera puerta que abres, después te llevará más profundo hacia el subterráneo, algo más oscuro, más profundo. Nada ahí es lo que parece, eso sí lo puedo decir. ¿Crees que los podcast son como las radionovelas para los millenials?

Creo que, literal, los podcast son la radionovela del futuro pero con mucha más producción y con historias mucho más complejas. Al igual que muchos, también crecí en la cocina de mi abuelita oyendo Kalimán (1963) y a Tres Patines de La Tremenda Corte (1942), como era muy chiquito oía a Tres Patines y era algo extre-

madamente emocionante para mí. Así que, realmente le tengo un cariño enorme a este formato y la verdad que la posibilidad de contar historias a través de los podcast al día de hoy es infinita. Hay casos como Caso 63 (2020), una serie de fábula de Julio Rojas, que es una locura, es extraordinaria y con casi solo dos personajes y de ahí pasamos a este formato. Batman es, creo, una de las series más ambiciosas de la historia porque somos 25 actores en escena, es una locura, es muchísima producción detrás, es muy grande, entonces creo que este podcast viene a demostrar que este formato puede crecer de manera infinita y lograr mundo y realidades sin límite. ¿Cuál fue el reto para explorar este formato?

El reto realmente fue encontrar un tono que a nosotros nos convenciera. Decidimos no anclarnos al tono americano, si oyes la serie en inglés vas a notar que es bastante más pop, más divertida, e intuí que estos guiones a mí como creador me pedían ir más denso, más profundo. Nosotros elegimos ese camino y era el riesgo de ver cómo nos iba.

Además, la música también te va envolviendo muy cabrón.

También tienes un proyecto con Kate del Castillo.

Sí, terminamos de filmar una serie que es pieza de contenido, porque es otra pieza donde me dejaron meterme a fondo porque soy productor ejecutivo y director. Queremos que sea una serie de autor, entonces tuve la oportunidad de meterme con todos a un sólo set, los puede dirigir toda la serie completa, fue precioso.

Con Kate, entre los dos nos entendimos muy bien, nos volvimos grandes cómplices de la ficción, descubrí a un gran ser humano y a una gran actriz, ya la verán. Ella llevaba muchos años haciendo un estilo de personaje, que ha hecho fantásticamente bien, y aquí es otra dimensión de ella y es muy bonito.

Es la tragedia contemporánea de Ana Karenina que abre muchas conversaciones en torno a cómo está el patriarcado en este momento, en términos en que juzga distinto a los hombres y las mujeres y el linchamiento que hay en las reds sociales.

Ana Karenina es una obra maestra de León Tolstói que en esta adaptación siento que hay propuestas muy interesantes al hacerla muy actual. Por ello, estoy muy contento, siento que hicimos un buen a compañamiento creativo. Espero que salga pronto, es uno de esos trabajos de los que te sientes muy orgulloso, un poco como Batman que quiero que ya salga y la escuche la gente.

: KALIMBA EN ENTREVISTA PARA LA REVISTA CAMEO

EL CANTANTE NOS COMPARTE LOS DETALLES DE SU PARTICIPACIÓN EN EL MUSICAL, JOSÉ EL SOÑADOR por C A R L O S M O R A

¿Cómo te sientes de ser José en esta producción?

Estoy muy emocionado, muy honrado. El personaje trae mucha grandeza, es un personaje que no solamente a nivel producción o profesional deja muchísimo, sino que a nivel personal es un libreto, una historia bíblica que está diseñada para crear sueños, esperanza, para que la gente siga buscando un propósito y eso está súper lindo. Saber que voy a interpretar a un personaje que requiere de muchos cambios melodramáticos constantes por todo lo que vive José, pero que al final también puedo representar a un personaje que se puede quedar en los corazones de muchas personas con un mensaje tan positivo, es un honor absoluto.

Cuéntanos sobre el desafío físico y musical, de pasar de ser el Faraón a ser José.

Cada uno tiene un reto totalmente diferente. El Faraón está mucho menos tiempo en escena, sin embargo era el único momento coreográfico formal de toda la obra, es la misma canción pero en tres versiones diferentes, los reprises que me tocaba cantar era el momento coreográfico con uno de los personajes principales. José por ejemplo, no tiene coreografía, él tiene trazos alrededor del escenario por lo que no tiene tanto cansancio de respiración y baile, pero tiene mucha más interpretación, es mucho más intrínseco con cada uno de los sentimientos y las emociones. Mientras que el Faraón tiene una sola emoción o dos, la urgencia de saber qué es lo que está pasando con lo que él sueña sin perder su postura constante de rey, sí había emoción ahí, pero sobre el número había principalmente baile y más entretenimiento; en el caso de José sí es totalmente narrativo y actoral.

Estuviste en Jesucristo Superestrella y ahora en José el Soñador, ambas puestas tocan el tema de la fe ¿cómo la vives?

De hecho la biblia es mi libro favorito y en mi creencia es un libro verdadero no es de ficción que te da esperanza, es un libro anecdótico de muchas personas que vivieron a lo largo de miles de años.

SOÑADOR "LO MÁS BONITO QUE SE TIENE EN LA INDUSTRIA DEL ENTRETENIMIENTO ES PODER HACER QUE EL PÚBLICO SE OLVIDE DE SU DÍA A DÍA Y ENTRETENERLOS"

Por ello quiero que la gente entienda bien el mensaje en esta obra y se olviden que están viendo a Kalimba y en realidad vean lo que José vivió hace miles de años.

Así cuando acaba la obra, salgan con esperanza para que lo crean.

La historia dice “los sueños se cumplen” pero la frase completa es “los sueños se cumplen cuando seguimos los propósitos de Dios”, José no cumple los sueños que él quiere, él cumple los que Dios le pone, esos sueños los representa o los interpreta gracias a Dios y cada vez que él está en una situación es bendecido.

Para mí, el poder decirle a la gente que si pone sus planes, sus sueños, sus anhelos, sus deseos, su esperanza y sus propósitos en Dios se van a cumplir, de ahí viene. Es bastante rico poder representar algo que logre impactar en los corazones y las vidas de las personas. | 57

Con proyectos como este ¿tu objetivo es que la gente se olvidé de todo lo que está pasando en el mundo?

Eso es un hecho. Lo más bonito que se tiene en la industria del entretenimiento es poder hacer que el público se olvide de su día a día y entretenerlos. El arte es muy importante, la creación, el mensaje, pero lo más importante y lo que lleva el mensaje es que te puedas subir a tu coche y escuchar una canción, llegar a tu casa y ver una serie o una película, salir un día a la calle, meterte a un museo, ver una fotografía, en este caso ir un día al teatro para decir: “¡Qué rico fin pasé!”, que te llene de aliento para poder enfrentar el día a día; para muchos es maravilloso lo que hacemos, para unos puede

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ser aburrido o tedioso, pero el trabajo en algún momento se vuelve monótono, aunque hagas lo que amas en algún momento es cansado. Yo tengo otros tipos de entretenimiento, me encanta el deporte, etcétera. Saber que soy parte de que el público recobre el aliento para poder regresar a su semana cotidiana es maravilloso. ¿Cómo ves el teatro musical en México?

Definitivamente creo que está creciendo muchísimo y el mérito total se lo doy a los productores de teatro hoy en día que están tomando la decisión de arriesgar.

Siendo muy honestos, no somos un país de cultura y esa es

la verdad, no somos un país que lee, que le guste ir al teatro o el arte; somos un país al que le gusta distraerse y entretenerse y estos productores han encontrado una buena fórmula, te distraen y te entretienen, te atraen a través de nombres populares, grandes conocidos que la gente quiere ir a ver, pero que al final te dan una calidad artística espectacular como con esta obra, con Jesucristo Superestrella lo viví y con otros montajes como Aladdín, Los Miserables o The Wicked; se han montado varias cosas espectaculares que están a nivel mundial.

Ahora estoy muy halagado de participar en una producción que la compañía y el señor Andrew Loyd Webber ha felicitado, mencionándola como la versión más grande de José el Soñador que se ha montado a nivel mundial y como una de sus versiones favoritas a nivel teatro en Latinoamérica.

Para ti, ¿qué significa el teatro?

Soy una persona que se sumerge mucho en el personaje, en estar concentrado en el camerino, poder no salir a actuar porque es algo muy bonito que me dijo quien me está dirigiendo ahora para José el Soñador que es la persona que se quedó con toda la información que dejó Mariano Detry, el director de la obra, y ahora me la está montando a mí, fue: actuar, salir al escenario no es mentir, no es pretender sino encarnar lo que estás haciendo.

Salgo al escenario y de verdad estoy encarnando a un José que va a ser vendido, esclavo, prisionero, va a sufrir, a llorar, a pasarla muy mal y al final va a tener una alegría, un gozo y una gracia que Dios le da para terminar siendo un espectacular y justo gobernador, eso es lo que le va a crear la verdadera ilusión al público.

Hasta el final de la última nota, donde podemos salir a recibir los aplausos es el momento donde regreso a ser Kalimba y donde respiro profundo y agradezco estar frente a un público, porque sí es real que el aplauso es algo que alimenta mucho, al final te honra.

"EL PERSONAJE (JOSÉ) TRAE MUCHA GRANDEZA, ES UN PERSONAJE QUE NO SOLAMENTE A NIVEL PRODUCCIÓN O PROFESIONAL DEJA MUCHÍSIMO, ES UN LIBRETO, UNA HISTORIA BÍBLICA QUE ESTÁ DISEÑADA PARA CREAR SUEÑOS Y ESPERANZA"

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KARIAM Y SU LADO CASTRO PAMBOLERO

LA ACTRIZ PARTICIPA EN LAS BRAVAS, LA NUEVA SERIE DE HBO MAX, EN ELLA DA VIDA A ADRIANA UNA JOVEN APASIONADA DEL FÚTBOL por C A R L O S M O R A

¿Cómo te sientes de participar en Las Bravas?

Muy contenta y afortunada de estar en HBO. Siempre quise trabajar en plataformas y gracias a Dios se me presentó la oportunidad.

laba por pandemia y nosotras nos quedamos a la espera un año sin saber si se iba a llevar a cabo o no. Después de un año nos dicen que se reanudan los entrenamientos y estábamos felices porque ya había trabajo.

¿Cómo llega el personaje de Adriana a ti?

Adriana es una niña a la que le encanta el fútbol, es muy buena en lo que hace, pero tiene una limitación que es su novio porque él es bastante machista, así que no le gusta la idea de que ella sea tan buena en ese deporte.

Fui de las primeras bravas que se integraron, hace dos años empezamos entrenamiento, llevábamos una semana de entrenamientos y de pronto nos dijeron que se cance-

¿Te gusta el fútbol?

No soy muy buena en eso, pero le eché todas las ganas del mundo a los entrenamientos. Más que gustarme o tenga un equipo de fútbol, me parece fascinante lo que el fútbol genera: la energía en el estadio, la pasión que mueve a los mexicanos, porque México es un país pambolero, o la unión que hay dentro, por eso me parece muy padre todo lo que engloba. | 61

¿Qué piensas sobre la desigualdad que existe en ese deporte?

Es uno de los temas que toca la serie y es muy bonito cómo lo aborda porque nuestro entrenador que es Roberto Casas, que interpreta Mauricio Ochmann, no confía en nosotras por el hecho de ser mujeres, algo que es tristísimo que sólo por tu sexo haya una limitación de entrada. Pero, mientras avanza la historia Roberto va aprendiendo de nosotras y nosotras de él, entonces se vuelve un entramaje muy padre. ¿Cómo fue trabajar con el elenco formado principalmente por chicas?

Fue muy padre porque hicimos un equipo muy bonito, muy divertido.

Eran jornadas de trabajo muy largas y pesadas, lo que implicaba una convivencia al cien por ciento. Pero, era muy padre porque todos los días a pesar de que terminaba cansadísima tenía ganas de ir a trabajar otra vez, de jugar fútbol otra vez y de desvelarme o desmañanarme. Todo esto se logra cuando hay una convivencia padre entre amigas. ¿Y con Mauricio Ochmann?

Es muy relajado, siempre está preocupado de que la gente esté bien, algo que me parece muy lindo. Tiene una hermosa hija que llevaba a los llamados. La serie es familiar y el rodaje fue también muy familiar, creo que todo eso se refleja en pantalla. ¿Qué opinas de que las plataformas están apostando por este tipo de proyectos en México?

Nos sentimos muy orgullosos porque Bravas es el primer producto mexicano que se estrena a nivel internacional en Europa y Estados Unidos (en HBO). Que algo hecho en México esté llegando a tantos lugares nos deja muy orgullosos. Aparte es una serie que deja un muy buen sabor de boca, valores muy bonitos y desconecta un poco de lo que estamos acostumbrados a ver y escuchar hoy en día que son problemas y guerras, es una serie que te aparta de eso.

Bravas es un contenido que debería ser más visible, vivimos en una realidad complicada y las series abordan temas todavía más complicados; entonces, este tipo de series dulces aportan un granito de arena a la sociedad para seguir creyendo, soñando y viendo cosas lindas. ¿Qué te dejó participar en Las Bravas?

Muchos amigos y mucho aprendizaje. Me encanta lo que hago, entonces trabajar en lo que a mí me gusta, compartirlo con amigos, trabajar con esta combinación que fue el fútbol con la actuación, conocer todo el behind the scenes que no se ve en pantalla, los efectos especiales, las cámara corriendo detrás de ti o del balón, nunca lo había visto; estaba como niña chiquita descubriendo todo esto en medio de muchas risas.

En la actuación también me dejó amigos, me dejó muchísimas cosas.

"(MAURICIO OCHMANN) ES MUY RELAJADO, SIEMPRE ESTÁ PREOCUPADO DE QUE LA GENTE ESTÉ BIEN, ALGO QUE ME PARECE MUY LINDO " | 35

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1982: El año que cambió El Líbano MUESTRA LOS TEMORES DESDE LA INTIMIDAD por A L E J A N D R A L O M E L Í

TRAS CONSOLIDARSE como productor de películas, anuncios publicitarios y videoclips de artistas como David Bowie, Annie Lennox y Lana Del Rey, Oualid Mouaness debutó en el largometraje con su ópera prima 1982: El año que cambió El Líbano, película de tintes biográficos que recrea un hecho turbulento en la historia libanesa, tomando el punto de vista de un niño en pleno despertar romántico.

Durante la invasión israelí al Líbano en junio de 1982, en una escuela privada en las afueras de Beirut, Wissam, un niño de once años, intenta contarle a una compañera de clase que está enamorado de ella, mientras que sus maestros, en diferentes bandos de la división política, tratan de ocultar sus temores. Con secuencias inspiradas y poéticas, echando mano de la animación en momentos precisos, el director no pretende explorar el conflicto bélico, sino el mundo de los adultos en contraste con el de los niños, para tocar temas como el amor, el miedo y la guerra.

Sin llegar a la explotación o al dramatismo

extremo, y tomando en cuenta que la historia guarda ecos de la experiencia del director cuando niño, encontrando en Wissam a su alter ego, 1982: El año que cambió El Líbano es una película que muestra los temores desde la intimidad para plasmas el ánimo de todo un país cuyo territorio terminó convertido en campo de batalla. Es justamente la decisión del director de abordar un momento determinante en la historia del país desde los ojos de un niño lo que justifica una cierta falta de profundidad de las implicaciones políticas.

Sin embargo, la falta de profundidad, no significa que carezca de complejidad, por el contrario, hay mucho compromiso en esta película en cuyo reparto destaca la reconocida actriz y directora Nadine Labaki. Diálogos que muestran la división ideológica de los maestros, sus posturas ante la invasión e incluso los miedos entre los más pequeños al no recibir respuestas de sus padres se conjugan. Y, aún en estos momentos, hay lugar para el amor; y con esta afirmación, la película se engrandece.

Adam, Mujeres en Casablanca SORORIDAD EN CONDICIONES ADVERSAS por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

SAMIA (Nissrine Erradi) es una joven con un embarazo avanzado, quien busca desesperadamente que alguien le dé trabajo. En su peregrinar, llega hasta la puerta del hogar de Abla (Lubna Azabal), una viuda la cual vive sola con su pequeña hija Warda (Douae Belkhaouda) y se gana la vida como panadera. Abla en principio la rechaza, pero al ver la precaria situación de Samia, cambia de opinión y se apiada de ella, y le ofrece quedarse allí por un par de días.

Samia en agradecimiento, le suplica a su anfitriona que le deje ayudarle con las tareas domésticas, pero ella

se rehúsa. Ante las negativas de Abla, la joven decide agradecerle preparando rziza, el cual le queda delicioso.

La futura madre le ofrece a la viuda preparar más de dicho platillo para venderlo entre sus clientes habituales.

Ella acepta y gradualmente, llegan a un acuerdo, decidiendo que la joven se quedará en casa hasta concluir su embarazo y dé a luz a su bebé.

Durante el tiempo que permanece en casa de Abla, Samia logra establecer una relación afectuosa con Warda. Pero con su anfitriona la cosa es distinta porque es muy fría y rígida. Su alegría y entusiasmo por la vida pa-

recen haber muerto junto con su marido, y desde entonces vive en un duelo perpetuo. Por ello también rechaza a Slimani (Aziz Hattab), proveedor de materia prima para su negocio, quien manifiesta un marcado interés amoroso por ella.

En contraste, Samia es jovial y muy vital, y hace esfuerzos por sacar a Abla de su melancólico estado, y hacerla vivir de nuevo. Pero la joven tiene un plan definido que piensa llevar a cabo una vez que nazca su hijo, para así poder volver con su familia. Y dicho plan no es visto con buenos ojos por parte de su anfitriona y nueva socia, quien intenta persuadirla.

Adam. Mujeres en Casablanca (Marruecos-Francia-Bélgica-Catar), el primer largometraje de ficción de la cineasta y actriz marroquí Maryam Touzani, fue seleccionado para

formar parte de la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes del 2019, y para representar a su país como candidata para contender en la 92 entrega del Oscar del 2020.

Inspirada en hechos reales atestiguados por la propia directora y también guionista, se trata de una película acerca de la sororidad que germina entre dos mujeres con pasados diferentes e incluso opuestos, la cual florece en condiciones adversas y en el corazón de una sociedad cerrada e intolerante. Y narra como a partir de este encuentro y gracias a la convivencia, la comprensión, la confianza, la solidaridad y el apoyo mutuo que se profesan una a la otra, sus vidas sutilmente darán un giro, y llevará a una a reencontrarse con sus placeres sensuales olvidados tiempo atrás, y a la otra a reconsiderar su drástico plan, y de paso permitirse experimentar la maternidad. | 69

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De repente, el Paraíso EXILIOS QUE CREAN EXTRAÑOS EN TIERRA EXTRAÑA por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

GRACIAS A FILMES como Intervención divina (Yadon ilaheyya, 2001) o El tiempo que queda (The Time That Remains, 2008) el palestino Elia Suleiman se ha forjado la reputación de ser un cineasta con una agudeza, una sensibilidad y un humor singulares. Y dicha reputación es ratificada por De repente, el Paraíso (It Must Be Heaven, 2019), su más reciente trabajo.

En ella, su protagonista (el propio Elia) recibe en su casa ocasionales “visitas” de un molesto vecino quien se ha obsesionado con un limonero que se encuentra en su patio, atestigua la peculiar forma como una mujer decide transportar sola un par de recipientes, y es testigo de otros sucesos inusuales aconteciendo a su alrededor.

Un día, el personaje abandona su ciudad natal, y emprende un viaje por Europa y Estados Unidos. Y mientras lleva a cabo su travesía intercontinental, experimenta y es testigo silencioso de otra serie de sucesos un tanto fuera de lo común, los cuales en su conjunto le muestran (a la par que al espectador) realidades desconcertantes y ajenas a la suya, las cuales además de serle un tanto incomprensibles, en ocasiones incluso le resultan hostiles. Pero por otro lado, en ciertos detalles y momentos, su patria se hace presente, haciéndole sentir que, a pesar de la distancia, de alguna forma su hogar le está

acompañando.

A partir de viñetas evocadoras, cómicas y provocativas a la vez, así como de extrapolar sus percepciones sobre la actual situación sociopolítica de su propia nación con la de varios países primermundistas; Suleiman plantea una reflexión de tintes filosóficos y alcances universales, sobre las idealizaciones, estereotipos y contradicciones esgrimidos por las actuales sociedades globalizadas, vistas a través de los ojos de quienes (por diversas razones) se exilian en ellas buscando una vida y un hogar, encontrándose en su lugar con un sentido de no pertenencia, de constante peregrinar y de nostalgia por el país natal.

De ese modo, empleando las herramientas narrativas y estilísticas propias de su estilo particular, el realizador desarrolla en De repente, el Paraíso una exploración a la vez que una crítica, sobre la alienación, la incomunicación y la violencia –de diversos tipos- existente en el mundo actual. Las cuales pueden resentirse aún más cuando una persona se encuentra (voluntaria o involuntariamente) fuera de su lugar de origen, viviendo como un extraño en tierra extraña.

La película resultó ganadora en la edición 2019 del Festival de Cannes, donde obtuvo una mención especial, así como el premio FIPRESCI.

JOHNNY (Joaquin Phoenix) es un periodista radiofónico radicado en Nueva York quien se involucra, junto con un pequeño equipo, en un proyecto sobre la percepción que los niños tienen sobre la vida, el futuro y otros temas.

Para llevarlo a cabo, se dan a la tarea de viajar y recopilar en audio las opiniones de diversos infantes en distintas ciudades de los Estados Unidos.

La madre de Johnny falleció un año atrás, y la familia más cercana que posee son su hermana Viv (Gaby Hoffmann) y el hijo de ella, Jesse (Woody Norman), los cuales viven en Los Ángeles; pero se ha distanciado de ellos tras el deceso de su progenitora. Un día, mientras trabaja en su proyecto, él decide llamarle para saber cómo están, y ella le revela sus múltiples tribulaciones a causa de Paul (Scoot McNairy), su pareja y padre de su vástago; quien se ha mudado a Oakland por cuestiones de trabajo, y está pasando por una severa crisis emocional y mental. Viv quiere acudir en su ayuda, pero no puede llevar consigo al menor. Para apoyarla, el periodista le ofrece viajar hasta esa ciudad para cuidar a su sobrino por un par de días.

Pero las cosas se complican, y por un lado Viv debe alargar su estadía al lado de Paul, y por otro lado Johnny no puede postergar por mucho más tiempo su agenda de trabajo. Así, toma la decisión de llevarse a Jesse consigo, para que le acompañe a los lugares que debe viajar.

Este es el plot sobre el cual el realizador californiano Mike Mills (Así se siente el amor, 20th Century Women) elabora una suerte de road movie intimista, fotografiado en blanco y negro por la lente del irlandés Robbie Ryan, y en donde los dos personajes principales (interpretados por Phoenix y Norman), desarrollan para la pantalla una relación muy particular y estrecha, de mutuo aprendizaje.

No se trata de un típico relato el cual apela al sentimentalismo más elemental y manipulador. Por el contrario, el argumento escrito por el propio Mills, hace hincapié en los obstáculos que provocan la confrontación entre sus personajes, y que entre ellos broten diversos conflictos. Y justamente es en la forma de buscar la resolución de dichos conflictos (con base en la comprensión, la tolerancia, y valiéndose de diversas herramientas de tipo pedagógico) donde, además de conseguir un equilibrio, desarrollan un vínculo especial, resultado del reconocimiento que efectúan el uno en el otro, y dicha experiencia les permite, a su vez, autodescubrirse.

Así, C'mon C'mon: Siempre adelante, resulta una obra interesante, y genuinamente conmovedora, donde de forma transversal se reflexiona sobre temas como la muerte, los hogares rotos, la soledad, el desamor, la orfandad, y lo difícil que es, en ocasiones, expresar las emociones.

El filme tuvo su estreno comercial en la edición 48 del Festival de Telluride, y es producido y distribuido por el sello A24, que se está convirtiendo en un sello de calidad cinematográfica.

C'mon C'mon: Siempre adelante RECONOCIÉNDOSE Y DESCUBRIÉNDOSE EN EL OTRO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

Ensayo de un Crimen UN CLÁSICO BUÑUELIANO RESTAURADO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

DURANTE SU INFANCIA, Archibaldo de la Cruz experimenta un mórbido episodio el cual marcará su existencia: mientras escucha una cajita de música propiedad de su madre, y convencido de que esta puede hacer realidad sus deseos, pide la muerte de su institutriz (Leonor Llausás). E inmediatamente ello ocurre, y la mujer fallece a consecuencia de una bala perdida durante un tiroteo.

Años más tarde, siendo Archibaldo ya un adulto (interpretado por Ernesto Alonso), reencuentra dicha cajita en una tienda de antigüedades, y con ella regresan no solo sus recuerdos infantiles, sino sus deseos criminales y su obsesión por cometer un asesinato. Y la historia comienza a repetirse: cada vez que de la Cruz desea o planea asesinar a una mujer, esta muere por alguna casualidad o extraña coincidencia.

Convencido de ser el autor de todas esas muertes, Archibaldo busca entregarse a la justicia y ser juzgado por sus “crímenes”.

En 1955 el legendario Luis Buñuel estrena Ensayo de un crimen, una de sus obras que resulta un tanto atípica dentro de su nutrida filmografía, por tratarse de una comedia negra sobre un hombre con un severo desorden mental, el cual transforma sus pulsiones sexuales en deseos homicidas, aunque en realidad nunca llega a concretar personalmente asesinato alguno.

Conocida también como La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, se trata de una libre adaptación de la obra homónima editada en 1944 por el dramaturgo mexicano Rodolfo Usigli, quien se dice no quedó conforme con la adaptación que Buñuel y el argumentista Eduardo Ugarte hicieron de su novela e intentó obstaculizarla, llegando incluso a denunciarlos con el Sindicato de Guionistas de ese entonces.

Incluyendo la participación de las tristemente malogradas actrices Miroslava –en su última aparición en cine antes de quitarse la vida- y Rita Macedo, la cinta inicialmente se suponía sería una crítica a la decadente burguesía mexicana, pero en su lugar se convirtió en un peculiar estudio (que raya con el psicoanálisis) sobre las fantasías largamente acariciadas (pero no satisfechas cabalmente) y la psique resquebrajada de su personaje central. Uno quien, dicho sea de paso, es enteramente buñueliano, y dialoga perfectamente con Francisco (Arturo de Córdova), el protagonista de Él, por citar solo un ejemplo. Asimismo, en el filme se hacen presentes muchas de las constantes estilísticas y obsesiones propios del realizador español.

Nominada a ocho premios Ariel –de los cuales solo consiguió obtener uno a Mejor fotografía-, Ensayo de un crimen recientemente fue restaurada por los laboratorios de la Cineteca Nacional, y dicha versión formó parte de los títulos seleccionados para la 71 edición de la Muestra Internacional de Cine. Y se espera que, eventualmente; sea reestrenada dentro de la programación regular de dicha institución.

Red Rocket O UN ENCANTADOR GRANUJA TRATANDO DE ALCANZAR SU SUEÑO AMERICANO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

TRAS DESEMPEÑARSE varios años como actor de películas pornográficas, la carrera de Mikey Davies (Simon Rex) se viene abajo, viéndose obligado a regresar a su ciudad natal en Texas, tras diecisiete años de haberse ido del lugar. Allí, busca a su exesposa Lexi Davies (Bree Elrod), a quien le suplica le de asilo mientras logra establecerse. Ella de mala gana acepta, bajo la condición de que Davies consiga un trabajo estable y contribuya con el hogar en diversas formas.

La búsqueda de empleo de Mikey no da los frutos deseados, viéndose obligado a recurrir a la ayuda de Leondria (Judy Hill), al solicitarle le devuelva su viejo puesto como vendedor de mariguana. Ella lo pone a prueba, y tras mostrar buenos resultados, le deja continuar y le sigue proveyendo droga. De ese modo, el protagonista comienza a alcanzar cierta estabilidad: gana buen dinero, su relación con Lexi mejora (e incluso vuelven a tener encuentros sexuales) y traba cercana amistad con Lonnie (Ethan Darbone), un vecino quien se hace pasar por militar veterano para ganarse un dinero extra.

Todo cambiará cuando una tarde, Davies conoce casualmente a Raylee Strawberry (Suzanna Son), una encantadora jovencita y vendedora en un expendio de donas; e inicia con ella un romance a espaldas de Lexi. Al tiempo que sus amoríos avanzan (y se vuelve más apasionados), la otrora estrella porno comienza a fraguar una nueva estrategia para regresar en grande al negocio porno, con la ayuda de Raylee. Pero una serie de eventos inesperados pondrán en peligro sus planes.

Red Rocket (2021) es el nuevo largometraje del cineasta Sean Baker, autor de cintas como Tangerine: chicas fabulosas (2015) y El Proyecto Florida (2017), en donde nuevamente una serie de personajes que viven en la marginalidad son el eje principal del relato. En este caso específico, se trata de una comedia cáustica salpicada de humor negro y pinceladas de melancolía, sobre un personaje el cual intenta alcanzar su propia

versión del american dream, no importando si deba mentir o pasar sobre alguien para obtenerlo.

Buena parte de la efectividad de la obra reside en la carismática actuación del actor, rapero y ex VJ de MTV Simon Rex quien, curiosamente y al igual que su personaje; en los inicios de su carrera se desempeñó como actor en producciones de entretenimiento para adultos. Su interpretación, aunada a un argumento escrito por Baker y por el guionista Chris Bergoch, recrean para la pantalla a un ser complejo y contradictorio. Un granuja un tanto amoral, egocéntrico e irresponsable quien lleva a cabo acciones poco escrupulosas, rayando en lo criminal, pero resulta ser una persona agradable y simpática para el espectador el cual, en determinado momento, se cuestionará seriamente si en realidad desea que Mikey se salga o no con la suya.

Por otra parte, Baker se abstiene de juzgar, moralizar o pontificar sobre los actos y procederes de sus personajes, capitalizando así la mirada ambivalente hacia su protagonista quien, en el fondo, no es sino el típico nacido para perder intentando cambiar su suerte y forjarse un mejor destino. Pero pretende hacerlo a partir de irreales y megalómanas ilusiones a las cuales, alimentado por el nuevo empuje brindado por el seductor canto de una sirena adolescente; decide entregarse sin importar cuan falsas puedan ser, ni las consecuencias derivadas de ello. En resumen, él mismo termina por derribar lo que logró construir, siguiendo un espejismo colorido y atrayente, como una dona rosada con chispas de colores.

Producida y distribuida por el afamado sello A24, la película debutó en la edición 2021 del Festival de Cannes donde contendió por la Palma de Oro. The National Board of Review de Nueva York la consideró dentro de los 10 mejores filmes del año pasado. Asimismo, su intérprete principal obtuvo el premio a Mejor actor por parte de Los Angeles Film Critics Association, así como en los Independent Spirit Awards.

ANU A IMC RIO INE

María Novaro

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espués de un desplome de la producción de filmes mexicanos por la pandemia en 2020, el año pasado hubo un mejoramiento que implicó un crecimiento de 133 por ciento, con respecto al año anterior, de acuerdo al Anuario Estadístico del Cine Mexicano 2021, del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine).

En 2019, previo a la crisis sanitaria el cine mexicano registraba un récord histórico de 216 producciones, pero la suspensión de actividades no esenciales por el Covid-19 significó un declive de 49 por ciento ya que sólo hubo 111 películas. Sin embargo, para 2021 registró una mejora con 259 cintas, entre las que se habían rezagado en 2020 y las ya previstas para ese año.

“No es una cifra récord, acumula dos años, un año medio perdido y la recuperación de este año, pero sí da cuenta de la recuperación y la producción cinematográfica, es algo que celebramos”, explica María Novaro, directora del Imcine.

Para conocer el impacto de la pandemia en la producción cinematográfica y audiovisual en 2021, el Imcine aplicó formularios a personas involucradas en esta actividad, entre los resultados las principales afectaciones son el aplazamiento de rodajes (44%), retraso en el esquema del trabajo (42%), cancelación de participación en eventos y festivales (25%) y postergación del estreno comercial de las películas (18%). El nueve por ciento registró contagios o fallecimientos por Covid-19.

En el tema de exhibición también hubo mejoras, en el ámbito nacional, de los 47 filmes que se estrenaron en 2020 pasó a 70 en 2021. Mientras que el consumo de películas mexicanas tuvo una caída, pasó de 7.6 millones de espectadores a 4.9 millones. Hace dos años estrenos internacionales no llegaron al país, por lo que fueron las cintas nacionales las que ocuparon gran parte de la cartelera.

Sobre el total de los trabajos la también directora de cine dijo: “Del total de las producciones nacionales en 2021, 56% se realizó con apoyos públicos, de ahí la importancia de no detener los apoyos al cine”.

Los ingresos generales en taquilla también tuvieron una importante recuperación, pues pasaron de los tres mil 153 millones de pesos en 2020 a los siete mil 302, más del doble de crecimiento; sin embargo, el cine nacional se vio mermado, al pasar de los 386 millones de ingresos en 2020 a 290 millones en 2021.

EL PAPEL DE LAS MUJERES

La presencia femenina en la realización cinematográfica mantuvo la misma proporción

Alejandra Márquez Abella

que en los últimos cuatro años; producción y escritura de guion fueron en las actividades con más mujeres.

“Todavía el universo de las mujeres en la cinematografía mexicana está muy rezagado. Siento que no hay una expresión humana que esté completa sin la mitad de la población, que somos las mujeres”, explica la cineasta Alejandra Márquez Abella.

En 2021 se contabilizaron 12 mil 209 personas involucradas en esta actividad, 11% más que en 2020. Del total, 54% en empleos directos, y referente a género, 44% fueron mujeres.

“Los sets siguen siendo lugares violentos para las mujeres. Hemos tenido que cambiar la manera de apropiarnos de esos lugares, hubo un momento donde se nos decía que teníamos que comportarnos como ellos, a ser hombres y a hacer un performance donde nuestra feminidad tenía que quedar anulada. Siento que ha ido cambiando, en mi experiencia personal varias hemos optado por el liderazgo feminista”, dijo la directora de Las Niñas Bien.

Datos de Imcine arrojaron que de los largometrajes dirigidos por mujeres, 53% fueron óperas primas y 17% se realizó por mujeres cineastas con trayectoria y el género con mayor presencia femenina es el documental.

En el anuario por primera vez se incluyó una revisión sobre el cine mexicano y la diversidad, que brinda información inédita sobre los tópicos de cine comunitario, indígena y afrodescendiente, discapacidad y diversidad sexual. Entre los datos que destacan: la producción de 29 largometrajes comunitarios; 112 largometrajes realizados por cineastas indígenas o afrodescendientes o con temática relacionada y la presencia de 24 lenguas originarias en los diálogos.

Texto y fotos Carlos Mora

CONFESIONES

LO NUEVO DE CARLOS CARRERA

E

l director Carlos Carrera finalizó el rodaje de su nueva película, Confesiones, protagonizada por Juan Manuel Bernal, Luis Gnecco, Claudia Ramírez, Emilio Treviño y con la participación especial de Ana Claudia, con quien realizó la éxitosa cinta El Crimen del Padre Amaro.

Confesiones narra la historia de un integrante de una familia acomodada que desaparece en la Ciudad De México. Horas después de su desaparición, un hombre llega a la casa de la familia para discutir su regreso. Los términos no son monetarios, sino

una confesión de un miembro de la familia que ha cometido un acto atroz. El intruso expone a cada miembro de la familia revelando sus secretos más profundos e impactantes.

El filme es producido por Daniel Birman Ripstein de Alameda Films conocido por películas como El Crimen Del Padre Amaro, El Callejón de los Milagros, entre otras; y por Gerardo Moran de Zamora Films, quien produjo la adaptación mexicana de La Boda de Mi Mejor Amigo. Mientras que el guión fue escrito por Alberto Chimal, conocido por su trabajo en la película 7:19.

“A medida que continuamos expandiendo nuestra cartera y estamos comprometidos con la creación de contenido local y diverso en México, estamos encantados de tener la oportunidad de colaborar con un director tan prestigioso y talentoso como Carlos Carrera, así como con todos los que forman parte de Alameda Films y Zamora Films”, comentó Shebnem Askin, co-directora de Sony Pictures International Productions.

Por si parte el productor Daniel Birman Ripstein dijo: "Carlos es un cineasta preciso y meticuloso, y nos sentimos honrados de volver a trabajar con él. Shebnem Askin, Mike Rifkin, Philip Alexander, Ray Diaz y todo el equipo de Sony Pictures International Productions siempre han estado entusiasmados con nuestra película y estamos emocionados de colaborar con ellos. No podríamos pensar en un mejor hogar para esta emocionante película".

MAITE PERRONI La actriz cuenta su experiencia en Sin ti no puedo, un thriller que protagoniza al lado de Mauricio Ochmann, escrito y dirigido por Chus Gutiérrez

Sin ti no puedo está basada en la idea original del realizador y guionista español Frank Ariza, cuenta con las actuaciones de Maite Perroni, Mauricio Ochman, Alfonso Bassave, Juan de Vera, Lucía de la Fuentes, Elena Irureta y Carlos Olalla. ¿Cómo sucedió este proyecto?

Ya había trabajado antes en otro proyecto con Frank Ariza quien es el guionista de la historia; me escribió un día, me dijo que leyera ese guión, me encantó y así fue como decidimos una vez más trabajar juntos al lado de un equipo de producción increíblemente talentoso para poder contar éste thriller. ¿Qué significa para tu carrera participar en un proyecto español?

Es un gran acierto para mi tanto en lo personal como en lo profesional; estuve durante junio, julio y agosto del año pasado en Madrid rodando, aprendiendo de todos los actores... Nunca me imaginé estar junto a Pedro Casablanc o Alfonso Bassave que son personas con una trayectoria de años y estar ahí con ellos en el set fue muy enriquecedor... Me quería quedar más tiempo allá! ¿Cómo fue tu experiencia trabajando con Chus Gutiérrez?

Chus es una directora que admiro, quiero y respeto... por algo se ha ganado ese reconocimiento en la industria. Tuvimos química desde el día uno y las cosas fluyeron naturalmente; junto con ella fui dándole sentido a Blanca para poder construir su historia y poder reflejarla de la mejor manera en el set. | 81

¿De tu personalidad qué le imprimiste a tu personaje de Blanca?

Trabajé de la mano de Chus Gutiérrez para poder interpretar a Blanca conociendo muy bien su pasado, todo lo que había vivido y esas ganas de salir de prisión para ver qué pasaría con su vida después de aquel trágico incidente donde murieron sus padres. ¿Qué has hecho por afecto a tus seres queridos?

No sé, (ríe), la verdad soy muy de familia, muy de estar con mis amigos y familia en mis días libres... Hay momentos en donde por trabajo no puedo estar tan cerca de ellos físicamente como quisiera pero cuando estoy les dedico el 100% de mí. ¿Cuál fue tu preparación mental y física para dar vida a tu personaje?

Fue un trabajo de mesa junto con el guionista, escritores y la directora para que juntos construyéramos a Blanca.

Lo que más me gusta de ésta parte de creación de los personajes es que uno tiene que entender lo que hicieron sin juzgarlos para poder interpretarlos de la mejor manera posible. ¿Cómo fue grabar en España?

Me acuerdo que pasó algo especialmente conmigo los primeros días jaja porque apenas llegué me incorporé al trabajo de mesa previo al inicio del rodaje pero mis horarios estaban volteados jaja hasta que llegó el fin de semana y dormí casi todo el dia de Madrid (porque en México era de noche) ... De pronto tocan a mi puerta, despierto y eran los productores porque querían saber si estaba bien porque no contestaba llamadas ni mensajes, pero era porque estaba durmiendo. Ya rumbo al final del rodaje fue que logré cambiar mis horarios por los de Madrid.

¿Qué fue lo que te gustó de Madrid?

Rodarla fue una experiencia increíble, Madrid forma parte importante de ésta historia y es un agasajo ver esa ciudad en la pantalla grande, es un thriller muy interesante contado desde el ojo de nuestra directora Chus Gutiérrez con un gran elenco español junto conmigo y Mauricio Ochman.

Siempre que me preguntan sobre “favoritos” en cualquier tema me cuesta trabajo elegir entres sus calles, sus edificios son muy lindos y como la película fue rodada ahí van a ver lo increíble que es ésta ciudad... Disfruté al máximo poder haber vivido allá unos meses.

• Redacción

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MARC CLOTET

U El actor español Marc Clotet participa en la nueva serie Ultimo primer día, donde comparte créditos con los argentinos Eleonora Wexler, Rafael Spregelburd, Ana Celentano y Juana Viale

ltimo primer día, es un thriller policial que expone un tema actual, que aún no había sido explotado por la ficción.

La historia se centra en la investigación de un crimen perpetrado durante los excesos de una fiesta de un colegio. La serie de ocho capítulos está dirigida por Diego Palacio y escrita por Lucas Molteni, Nacho Viale, Sol Levinton, Ricardo Morteo y Diego Palacio.

"Desde que me llegó el guión me atrapó la historia, muy bien narrada con el uso de los flashbacks. Esto de morir en el minuto uno pero estar presente en toda la serie fue un reto para mí. Me hacía mucha ilusión trabajar en Argentina, es un hermoso país, de muchas producciones de calidad y con actores y actrices de primera", señala Clotet.

El actor español da vida a Joaquín Vergara, un carismático profesor de biología que es misteriosamente asesinado durante la fiesta del UPD (“último primer día”) en un exclusivo colegio.

¿Cómo fue instalarte en Argentina para el rodaje? ¡Maravilloso! Fueron tres meses, así que me vine con toda mi familia porque Natalia (Sánchez), mi pareja, también hizo una participación en la serie. Así que nos instalamos en Buenos Aires y los chicos hasta fueron al kinder. Fue una experiencia muy bonita que pudimos compartir todos; un bello recuerdo que quedará por siempre en nuestro corazón. ¿Era tu primera vez en Argentina?

Había estado de viaje como mochilero hace 20 años pero no había vuelto desde entonces, y me encanta porque me siento como en casa. Creo que a nivel cultural compartimos muchísimas cosas y lo considero como mi segunda casa. Así que espero que éste sea el primero de muchos proyectos. ¿Qué debe tener un proyecto para que digas sí?

Tres cosas: que la historia explique algo, que a nivel actoral sea un reto y trabajar con gente que me apetezca; que el viaje sea bonito. Y aquí en este proyecto lo fue desde el día uno.

Desde el día que hablé con la productora, me di cuenta de la 86 |

humanidad que había detrás, de cómo se abordaron los personajes (más allá de la historia), porque se trabaja mucho en la psicología de cada papel.

En esta serie, se habla de muertes, asesinatos y algunas verdades un tanto oscuras… ¿Cómo hace un actor para quitarse de encima la carga de su personaje al final del día?

Cuando te entregas en cuerpo y alma (porque si lloras, lloras de verdad), llegas a casa y estás destrozado. Pero un tema es la parte física y otra la parte psicológica, donde yo lo tomo como un juego. Cuando uno es niño y está jugando a ser un pirata puede ser el más malo del mundo, pero si tu mamá te llama a comer, te giras y dices: “Ya voy”. Entonces es fundamental entender que esto es un juego, porque uno puede acabar volviéndose loco sino. Aun así, después de escenas que implican una carga emocional muy grande, llegas a casa y a lo mejor no tienes ganas de irte de fiesta; eso pasa a menudo.

Pero tienes que dejarlo que fluya y desaparezca.

Entrevista con Cynthia Caccia del periódico La Nación de Argentina